PRENSA

REVISTA SIEMPRE, # 3407, AÑO 2018, MÉXICO

    

DESPUÉS DEL GOLPE DE ESTADO EN POLONIA A NADIE LE IMPORTÓ MI PAÍS

Por Beniamin Chalupinski

Todos estos elementos aterrizados en un lenguaje que Wolski encuentra común en estos vertiginosos aspectos. Esta entrevista busca adentrarnos en los motivos, los lenguajes, la vida tras la obra del escultor.

Las cadenas son un elemento constante y serial de su obra. Cuéntenos un poco sobre la trayectoria de este motivo en su hacer artístico y en su trayectoria de vida.

Al terminar mis estudios de escultura en Bellas Artes en Aix Provenze, viviendo ya varios años fuera de mi país natal, que es Polonia, tenía ambición de crear una obra que contaba con las características versátiles: que sea autónoma, independiente de sus entornos, quiero decir que poseía una fuerza interna gracias a la cual podría ser apreciada fuera del espacio y tiempo. Los eslabones de una cadena a primera vista parecen irresistibles e irrompibles, pero al ver de cerca uno reconoce que están hechas de barro, son frágiles y nos pueden recordar el cuerpo humano. El carácter serial y repetitivo de la composición me parecía muy adecuado con el ritmo de vida contemporánea y el mundo de la economía en la época de la producción masiva. Sin embargo el proceso de la ejecución del a obra se manifestó como el antítesis de la productividad en la era de las máquinas. Cada eslabón estaba elaborado a mano, con una utópica sensación de paciencia y dedicación desorbitante. Además de tratar con el tema tan metafísico que es el infinito, me pareció digno de una existencia.

¿De qué forma la diáspora polaca y su nomadismo han determinado su obra?

Salí de Polonia en los inicios de los años ochenta, justo después de la época histórica de las huelgas en los navales de Gdansk, cuando se formó el movimiento de los trabajadores llamado Solidaridad, que al poco tiempo de su existencia fue oprimido violentamente por el régimen totalitario del poder comunista. El país fue sumergido en deplorable tristeza, desesperación y de repente se sentía que toda la energía acumulada en el periodo de la libertad quedó en un abandono, en una muerte trágica y prematura.

Antes de esto. durante el periodo de los cambios, Polonia estaba en las primeras páginas de los periódicos internacionales porque el occidente veía ahí una esperanza para la evolución de la sociedad moderna. Pero irónicamente después del golpe de estado militar a nadie en el mundo importaba que iba a suceder con mi país.

Así que el sentimiento de la desilusión y el abandono se reflejo en mi obra temprana.

Sentí que mis acumulaciones de las cadenas puestas directamente en los pisos rígidos de cemento eran como los barcos fantasmas, que navegaban sin fin y sin ningún destino. Así era mi vida durante muchos años, buscando una casa perdida constantemente cambiaba hogares, ciudades y países . Trabajé en Carrara, Italia, en Paris, en Aix en Provenze en el Sur de Francia, en Nueva York .

En cada uno de estos lugares lograba laborar en una forma independiente, me inspiraba de cada sitio, hacía amigos, me enamoraba, pero al mismo tiempo era como un caracol cargando en su espalda el peso desmesurado de las experiencias intensas vividas durante el estado de guerra. Así que todas mis obras creadas en los años ochenta y noventa eran de coloración oscura como si se querían unir a su propia sombra.

Esto cambió años después, inspirado por la luz y el vasto espacio de América, empecé a elaborar una patina blanca en mis esculturas, entonces me sentí más liviano y con aire más optimista en las alas, que me parece tienen un mensaje más elevado espiritualmente.

¿Qué paralelismos ha encontrado entre los diversos espacios y las distintas ciudades en que ha elaborado o expuesto obra en los términos de esos motivos?

El término de la obra abierta me parece muy adecuada para mi trabajo. En mi caso quiere decir que los elementos pueden ser colocados de manera libre, que la persona encargada de la instalación aparece como un interprete que toma en cuenta el espacio y su contexto para encontrar la manera más artística y más significativa para que la escultura tome posición en ese sitio. Es un proceso intuitivo y un poco místico, sin abusar del término, el efecto final juega sobre decisiones mínimas. Varias veces cambio la posición de una escultura y espero encontrar el lugar donde la obra y el espacio se unen. Mi intención es encontrar los motivos de cada lugar que pueden sentirse cercanos para los espectadores. La misma obra expuesta en Europa occidental y en Asia no tiene el mismo significado. Sin embargo la fuerza del símbolo de los anillos entrelazados está en su forma y no necesita una explicación: puede ser entendida por cada quién y cada quién le encontrará su interpretación que le llevará más allá del espacio y el tiempo, este es mi reto.

Es claro que su obra dialoga con el espacio y con su contexto, articula preocupaciones históricas, globales y biográficas. Sin embargo, me parece importante conocer ¿Cómo dialoga usted con la esfera del arte contemporáneo?

El lenguaje plástico que utilizo está ligado a nuestros tiempos. Es la acumulación, la repetición de los elementos modulares que se presentan en amplios espacios de la arquitectura contemporánea. Los temas que eme preocupan son comunes, es el ser humano, su origen y destino, su inquietud de encontrarse a si mismo, de dejar algo. El material que utilizo mayormente es el barro, la tierra cocida. Y este es el punto, el barro es la material con tradición milenaria, sobre todo en los países de tanta riqueza cultural y espiritual como México. La tierra nos une a todos, constituye el puente de la comunicación entre el pasado y el presente, permitiendo el seguimiento del dialogo en el tiempo. Mi deseo es crear esculturas que van a tener un mensaje fijado en la eternidad y podrán ser validos en muchos años por delante, cuando el nombre del autor este olvidado y la escultura se tiene que defender por su esencia. El ejemplo es el arte precolombino, que siempre fue una fuente interminable de inspiración, contiene un misterio y gran carga espiritual que puede ser admirado miles de años después.

REVISTA ARTE AL LIMITE / ENERO 2018

 

LAS SECUENCIAS DEL TIEMPO EXPRESADAS EN BRONCE

Por Juan Pablo Casado. Licenciado el Literatura Hispánica (Chile)

Xawery Wolski es un escultor que trabaja la continuidad y la atemporalidad del arte en obras que unen el mundo a través de grandes cadenas instaladas en contextos locales. El artista polaco expresa, gracias a la repetición de elementos, la presencia del volumen y la permanencia del tiempo en el espacio.

A veces, el contexto crea al artista. Xawery Wolski es un escultor nacido en la Polonia de 1960, época en la que el régimen comunista permitía estilos de vida anclados al partido oficial. “La única forma de la vida que me parecía independiente y digna era obtener el estatus del artista que ofrecía la posibilidad de salir del país”, asegura el artista que decidió pulir sus aptitudes en la Academia de Bellas Artes de Polonia, lugar donde estudió diseño gráfico.

De pronto, trabajos radicados en la pintura y el soporte bidimensional se transformaron en obras llenas de volumen y espacio: el nuevo sendero provocó el amor por la escultura. “Era aún más difícil obtener la independencia por esta vía; pues los únicos encargos escultóricos venían por parte del Gobierno o de la Iglesia católica, que siempre jugaba un rol importante en mi país”, recuerda Xawery. Para poder subsistir, el escultor tuvo que dejar su país natal y emigrar a Paris, hasta llegar a la Academie des Beaux Arts, donde continuó su desarrollo artístico bajo la tutela de César Baldaccini.

Esculturas realizadas bajo el principio de la multiplicación y la acumulación de elementos, son obras que, en palabras de Xawery “representan los trozos de la energía y del tiempo que se muestran en un espacio abstraído de otros significados”. El tiempo, uno de los invitados presentes, se manifiesta como un elemento introducido en época temprana, cuando la obra se encuentra en pleno proceso creativo. Para Wolski, este asunto se refleja en la paciencia y fe que da vida a cada escultura, en cada pieza que subsiste y que está destinada a perdurar.

Estos son los caracteres expresivos que dan forma un estilo anclado en el desplazamiento de los elementos repetitivos y que une el espacio con la escultura. Cada material, cada país y cada cultura se presentan como los agentes espirituales detrás de la obra: aquí, el toque característico y minucioso es entregado por el contexto local que rodea la creación. “Mi idea es entender la complejidad de los contextos, tanto históricos, políticos, sociales, culturales y trabajar los materiales disponibles, encontrar su conexión con el sitio a manera de darles un significativo universal. En el arte me gusta dar un mensaje inmediato, directo, sencillo en su forma, pero complejo. En este sentido mi maestro fue Kasimir Malewitchs quien creó una síntesis artística y espiritual”, asegura el polaco, y agrega “es importante ver la pieza desde diferentes ángulos, buscar su perfecta ubicación, observar, como si de una manera mágica todo el entorno se convierte en la escultura”.

Un mundo encadenado

Infinity Chains es el nombre del proyecto que ha mantenido ocupado durante décadas a Xawery Wolski. Comenzado en 1988, el proyecto fragmenta una cadena en distintas partes y las instala alrededor del mundo, como si se tratara de una sola pieza. Las características visuales y materiales de la obra permiten que esta se integre de manera fluida y natural al contexto local.

Parte de esta serie son las cadenas instaladas en el borde de San Diego, USA, una metáfora de los tiempos que separan a Estados Unidos de México. La obra, parte de Infinity Chains, se ve acompañada por otra versión concebida en Varsovia, ciudad natal de Wolski a la que el artista regresa luego de 30 años de ausencia. “Es muy satisfactorio ver que el proyecto que empecé hace treinta años no pierde su actualidad, se consolida y sigue desarrollándose tal como lo soñé. Lo que me parece importante es la continuidad y la atemporalidad de la obra de arte”, opina Xawery, quien luego de tres décadas continúa trabajando en una obra que expande constantemente su alcance mientras expresa, con mayor brillo, su identidad.

 

HOLA CHINA

El pasado viernes 28 de octubre, en el marco del China Shanghai International Arts Festival, se llevó a cabo en el Museo de Arte Liu Haisu la inauguración de la exposición Pneuma (espíritu vital, alma y habla de la fuerza creativa de los seres humanos): Air and Spirit , primera exhibición en China del artista Polaco Xawery Wolski, quien ha dedicado gran parte de su tiempo al estudio de materiales ancestrales como medios para la expresión del arte moderno.

La fina colección del artista realizada con alambre genera una sensación de tridimensionalismo, belleza y magia en el espacio. Son tejidos sutiles que dan sensación de texturas suaves y acogedoras.

Este evento estuvo apoyado por el Consulado General de México en Shanghái, y se contó con la asistencia del Embajador Arturo Puente y del director del Museo de Arte,  Zhu Gang.

上周五10月28日,是中国上海国际艺术节,Pneuma(精神、灵魂和人类创造力): 气与灵展览在刘海粟美术馆举办了开幕仪式,这是哈维尔·沃尔斯基在中国举办的第一个展览,他花了大量时间研究祖传的材料并运用在现代艺术的表达上。

哈维尔·沃尔斯基使用金属线在画作和雕塑之间创造出三维空间,这些编织品非常吸引人。

这次活动由墨西哥驻上海总领事馆赞助,由Arturo Puente大使和刘海粟美术馆馆长朱刚协助。

Artículo completo:

Xawery Wolski en el Museo Liu Haisu 哈维尔·沃尔斯基在刘海粟美术馆举办

REVELACIÓN DE NUEVA OBRA EN LA RESIDENCIA DE ARTE LUX

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REFORMA PERIÓDICO, CIUDAD DE MÉXICO, NOVIEMBRE 2016

ARTÍCULO DE OSCAR CID DE LEÓN

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THE SAN DIEGO UNION – TRIBUNE NEWSPAPER, NOVIEMBRE 2016

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ARTE AL LÍMITE

THE ENDLESS RETURN
TEXT BY: MARÍA FERNANDA REYES RETAMA

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Xawery Wolski (Varsovia, Polonia, 1960) lleva más de treinta años girando en torno a una idea, una pregunta,una ausencia. Salió de Polonia a los veintitrés años, justificando estudios en Perugia, Italia, a donde nunca llegó,sólo para iniciar un viaje de eternos retornos.

Si antes de hacer cualquier cosa que desees empiezas por preguntarte: “¿Estoy seguro de que querría hacer esto un número infinito de veces?”, habrás encontrado tu centro de gravedad más sólido Friedrich Nietzsche Comenzó en Paris, en la academia de bellas artes, donde pudo continuar su formación en escultura y dibujo, iniciada ya en Polonia. La construcción de una de sus primeras cadenas de arcilla, en una fábrica de ladrillos, es algo de lo que recuerda de aquella época y entre los infinitos hornos, la contradicción en la difícil vida de los obreros, que pese a pertenecer a un país “libre”, parecían atados a ésa realidad repetitiva, agobiante.

Su primera estancia en ese país no duró mucho y comenzó a circular por el mundo. Estados Unidos, Nueva York de los años ochenta, fue otro lugar que marcó su camino. Niño crecido en una sociedad comunista, se alarmaba ante la exuberancia y quizás también la vanidad del mundo artístico de aquel momento, en donde lo más importante era lucir, destacar y por supuesto, tener.

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Regresó a Europa, pero esta vez sí llegó a Italia, a Carrara, para estudiar escultura, trabajando el mármol de la manera clásica. Suprimer círculo se cerró al volver a Francia, en donde ahora sí, tomó más tiempo para terminar de estudiar, dar clase, y con ello becas y oportunidades de viajes y aprendizaje se abrieron. Las esculturas de Xawery Wolski tienen cierta armonía que las define, en su mayoría sustentadas por la línea curva, suave, silenciosa. Hasta las cruces o las figuras rectas tienen algo de curvas. Nunca ha dejado las cadenas: de barro, de madera, cadenas blancas que no aprisionan, eslabones que se entrelazan y que, animados por la fuerza de su unidad, atraviesan muros, acortan distancias. Cadenas blancas que yacen dormidas o cuelgan inanimadas. Cadenas debarro, material que, como Xawery asegura, “contiene la memoria”.Cadenas que se amontonan, se sujetan y se definen a sí mismas. Frágiles por su naturaleza y potentes por su repetición implacable.

A finales de los noventas llegó a México, para quedarse… por ahora. Y regresa, circula, vuelve una y otra vez sobre el mismo tema. Como un mantra, una oración. Forma figuras sin cuerpo, vestidos sin modelo edificados por cientos, miles de semillas, cuentas o hilos de acero que se van uniendo meticulosas e implacables. Presencias que levitan, dialogan o permanecen intactas, manifestaciones de algo que estuvo ahí y ya no existe… pero nunca se ha ido.

Va y viene.“La repetición es una parte del lenguaje del arte contemporáneo, pero también es una expresión de la continuidad que aparece en la cultura desde tiempos inmemoriales, en la espiritualidad, la religión”,asegura Xavery en su estudio de la Colonia Condesa de la ciudad de México. “A través de la repetición el objeto es sujeto de diferentes interpretaciones y éstas pueden ser infinitas (…) Los objetos están aquí ahora, pero en la mente pueden expandirse, adquieren significado, importancia. Toman el espacio…”.Con la apertura de las fronteras en Polonia, Xawery ha comenzado su regreso a casa, aunque comenta: “Yo no sé si uno regresa realmente.

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Uno llega a otro tiempo, todo ha cambiado”. Actualmente divide su residencia entre Varsovia y México… y continúa circulando, a Asia, a América. Torsos humanos tapizados de espinas que parecen emerger agresivas y renacen, determinadas a volver a ser. Las espinas están hechas de pan viejo, el pan seco, ese que desechan en los restaurantes o las panaderías de la ciudad, pero Wolski los utiliza evocando las raciones que en la Segunda Guerra Mundial recibían los prisioneros en Polonia. “Eran minúsculas”, afirma todavía con compasión.

Tierra, piedra, semillas, pan, madera. En la obra de Xawery Wolski los materiales y los colores neutros o sólidos son tan protagónicos como la materia misma, tienen mucho que ver con el origen, la raíz, lo que no cambia. Sin embargo, para realizar su trabajo, no se estaciona. Viaja en la constelación de elementos y opciones de nuestro tiempo, como el Silicon, el cristal, los paneles publicitarios, cualquier cosa que de dirección a su camino, batería para la marcha, para continuara andando, para seguir girando en ese viaje de afirmaciones, cambios de perspectiva, crecimiento… ese viaje de eternos retornos.

CECUT TIJUANA

PRESENTA XAWERY WOLSKI BORDERLINE INTERVENCIÓN ESCULTÓRICA EN EL CECUT

Borderline es el titulo de la intervención en el espacio de la arquitectura urbana, cuya autoría corresponde al escultor polaco Xawery Wolski, quien estará presente cuando se inaugure este viernes 3 de mayo en el Centro Cultural Tijuana. La cita es a las 5:00 p.m. en la escalinata ubicada en el costado sur del CECUT, justo en la entrada que conduce a la sala 2 de El Cubo, donde el artista comparecerá en la ceremonia de develación de su pieza, la cual permanecerá en ese lugar hasta noviembre próximo.

Borderline representa un aspecto de la presencia actual de Xawery Wolki en Baja California, mientras que el otro lo ofrece su exposición Origen, que el artista polaco presenta a partir del sábado 4 de mayo en Encuentro Guadalupe, donde expondrá casi medio centenar de piezas escultóricas en un concepto que liga el arte con la enología en un ambiente de armonía con el entorno natural del Valle de Guadalupe. Las esculturas de Wolski, algunas vaciadas en bronce, serán exhibidas en un ambiente natural al aire libre, aprovechando las características topográficas que reúne el lugar. En cuanto a Borderline, se trata de una cadena similar a la que forma parte de la exposición Materia de Deseo que el artista polaco exhibió en la sala 1 de El Cubo, donde fue visitada por millares de personas entre agosto de 2012 hasta el pasado 24 de febrero en que finalizo.

La pieza consiste en una cadena de grandes dimensiones la cual aparenta haber sido incrustada en el muro lateral de la escalinata, lo que le otorga un aspecto enigmático, además de su propio acabado que simula algún revestimiento industrial, cuando en realidad su materia prima es fibra de vidrio. Si algo confirma la exposición Materia de Deseo es que se trata de un artista en pleno dominio de su materia de trabajo, pues sus esculturas, desde las mas pequeñas hasta las piezas monumentales, demuestran no solo la destreza de su creador para lidiar con la materia, sino el hondo simbolismo que encierra su obra.

En el caso de esta intervención en el espacio de la arquitectura urbana llamada Bordeline, es una pieza cuyo tema tiene que ver, como lo sugiere su nombre, con la frontera, pero no con la noción con que comúnmente se relaciona este concepto. La pieza tiene relación, mas bien, con la idea de continuidad, pues si bien la frontera alude a un limite, también lo es que plantea el desafío de traspasarla, de ir mas allá”, explico Wolski. Vista así, Borderline representa “un canto a la libertad y a la idea de que aunque la frontera impone limites muy precisos, su sola presencia plantea el reto de superarla, por arriba, por abajo, de cualquier manera”, preciso el escultor polaco al señalar que la pieza lleva implícita la noción de continuidad entre una y otra parte.

En una ciudad como Tijuana, añadió Wolski, la frontera aparece como una presencia rotunda, pero también como una presencia mental, pues no es solamente un punto geográfico, sino que alude a los limites que tenemos (o nos imponemos) los seres humanos. “El tema de la frontera implica que es la ultima línea, el sitio donde se supone que ya no se puede ir mas allá, pero en términos humanos la sola noción de frontera impele a sobrepasarla”, sentencia Wolski. Y Borderline refleja precisamente eso, que hay continuidad entre uno y otro lado donde se incrusta la pieza, la cual estará a la vista del publico hasta noviembre proximo en el CECUT, el mismo periodo en que su exposición Origen permanezca en Encuentro Guadalupe. Si desea conocer el resto de nuestras actividades le invitamos a consultar nuestro portal www.cecut.gob.mx.

México / Baja California.

 

XAWERY WOLSKI

POLONIA | ESCULTOR

Oriundo del viejo continente, y habiendo migrado a diferentes países, Xawery Wolski encontró su principal inspiración en dominios latinoamericanos. Su obra es un puente entre los usos de las culturas de estos territorios –y también de otros sitios, y la vanguardia del arte contemporáneo. Esculturas hechas con barro y un trabajo cercano a la artesanía son parte de las creaciones de Wolski, pues para este artista todo viene de la tierra y todo vuelve a ella.

 

XAWERY WOLSKI

PUBLICADO EN EDICIÓN 43 | JUL – AGO 2010

xawery

Una residencia de Nueva Delhi titulada “Religare Arts Initiative Limited” es uno de los últimos proyectos de Xawery Wolski (Polonia, 1960), además de exposiciones en Oaxaca y Miami. La Academia de Bellas Artes de Varsovia fue la primera escuela de Wolski y, más tarde, continúo su formación artística en dibujo, pintura y escultura en Francia, Estados Unidos e Italia, lugares que inspiraron sus primeros pasos decisivos. Cuando visitó Perú y México nació su interés por las técnicas tradicionales de las culturas latinas. Exposiciones como “Humano” o “Humus” han paseado por México, Miami, Nueva York, Los Ángeles, Portugal y España, además de otros proyectos en Polonia y Tailandia.

 

LA REVISTA

UN GENIO DE LOS MATERIALES

POR: MARCELA AGUILAR Y MAYA

LA REVISTA

Xawery Wolski huyo del comunismo poco para convertirse en un artista inspirado mas por los materiates que por el aspecto comercial del arte. Sus ideas salen a relucir a traves de estos materiales que incluyen semillas, cuentas y hasta huesos. El tiempo y el infinito son las mas importantes de esas ideas.

XAWERY WOLSKI
Es una artista plástico y visual. Ha trabajado y expuesto en Italia, Estados Unidos, Francia, Perú y hasta en la India. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México.

Decía el pintor Michel Seuphor que deberia existir una pintura totalmente libre de la dependencia de la figura -el objeto- que, como la música, no ìlustrara nada, no contara una historia y no lanzara un mito. Esa pintura se contentaria con evocar los reinos incomunicables del espirìuu, donde el sueño se convierte en pensamiento, donde el trazo se convierte en existencia. Eso, para mi, es la obra de Xawery Wolsky.

Habiendo crecido en la Polonia ocupada por el partido comunista, Xawery (Varsovia, 1960) heredó tanto el espiritu de rebelión como el deseo de libertad y de expresión. Quizá su mayor influencia fuera su padre, un científico que se especializó en el estudio de plantas Y su polinización; aquello introdujo al joven Xawery a una relación muy cercana con la naturaleza, con el misterio de la vida, que lo ha acompañado siempre: primero en París, cuando salió de Polonia en 1932 para continuar sus estudios de arte; despues en Nueva York, y finalmente en México.

La escultura de Wolslki es orgánica, natural, misteriosa y precisa. Muy Brancusi, Morris, Moore: lo suyo es dedicarse a sentir; a transmitir esa paz que tiene su obra y a develar los misterios que en ella se guardan. Su estudio es un espacio de luz, de armonia, donde el artista trabaja de la misma manera que un monje budista dedica su tiempo a meditar, en soledad, sin tener aparente noción del paso del tiempo. Las referencias precolombinas son evidentes, como también lo son los mandalas, las olas del mar o las estrellas. Un espacio dedicado al verdadero arte de la creación.

LA REVISTA

LR; Dicen las teóricos que el arte precolombina es el precursor del arte conremporárteo, ¿Tu lo vives asi?
XW:
Para mi es un acercamiento bastante intuitivo, pues desde muy chico me han inspirado las culturas antiguas, sobre todo las piezas anónimas, aquellas que no sabemos por que ni para que fueron creadas, qué uso les daban… hay todo un misterio alrededor suyo. Sin embargo, por su fuerza, por su valor estético, están vigentes hoy, ya que tienen un mensaje que nos toca todavía. Pero es un mundo muy distinto al arte contemporáneo, que está tan ligado a los nombres, a los valores, al mercado, a los movimientos ligados a la economía. Siento también que estamos en un punto de cambio frente a estos valores economicos que nos han regido en el último siglo, principalmente.

Yo nací en Polonia en plena era comunista y, de pronto, se desarrolló el capitalismo de una forma muy violenta como contraposición. No se dieron respuestas alas preocupaciones sociales de nuestra civilización, por lo que pienso que estamos hoy viviendo una epoca de cambios en la que las piezas de arte ya no están tan centradas en la persona, en el artista, como modelo economico. El arte deberia de ser una experiencia propia, intima, espiritual, no tanto designada a unas respuestas o un mecanismo específico; es decir; que no este condicionada. Yo estoy justamente en esta franja de experimentar con el arte.

LR: ¿Qué te inspira?
XW:
Hay una parte en mi trabajo que es experimentación pura: es descubrir materiales que me llaman la atención -sedas, lana, semillas, maderas, huesos, bronce, hierro, piedras… – y comienzo a trabajar sin saber exactamente hacia donde voy a llegar Y gracias al tiempo que pasan mis manos con el material, se va develando poco a poco la propuesta estética. Ella me guia, no yo a ella.

LR: ¿Hay algun material del que disfrutes más trabajar?
XW:
La terracota, que es un material ancestral y, sobre todo en América Central y México, tiene muchos antecedentes. Una de las razones principales por las que vine a México es porque he buscado y encontrado un diálogo con la cultura precolombina.
Me inspiran cosas que están destinadas a un largo uso, con larga perspectiva… quiero hacer cosas que vayan a durar miles de años. No es mi preocupacion la de responder a las cuestiones inmediatas, sino entrar en el flujo del desarrollo de la humanidad.

LA REVISTA

LR: Las semillas son un material recurrente en tu obra, como en este vestido que recuerda una pieza triba con mucho simbolismo…
XW:
El vestido puesto en una forma de cruz hecho con semillas -que vienen de La India-, son de los rosarios hinduistas para rezar, un rito para entrar a una eternidad, hacer estas ofrendas sin saber exactamente la función que tienen; sin embargo, es una tradición que perdura por los siglos de los siglos. Y la tradición del rezo existe en todas las culturas. Cuando pongo las semillas en una especie de tónica de monje -pues no es un objeto frivolo, sino que tiene un aspecto ascetico-junto diferentes imagenes simbólicas, como la cruz, el circulo, la semilla (que es como el nacimiento de la vida), el rezo… donde el cuerpo de una figura humana está solamente señalado como una forma, pero a la vez está ausente, y lo que perdura es la apariencia: “de tierra somos y la tierra regresaremos…” LR: Tu obra tiene una impresionante carga filosófica…
XW: El mundo de la naturaleza, las hojas, los frutos, los animales, las semillas, siempre me inspiran, pues me gusta representar lo que sucede en los ciclos geológcos. Siempre me ha interesado la parte de la experimentación, pero me doy cuenta, cada vez más, de que estoy en un flujo de consciencia, entonces el crear una obra que requiere de muchos días, semanas, hasta meses de trabajo repetitivo, se vuelve una especie de rezo que no tiene un fin especifico, lo importante es el proceso.

Y yo estoy en este flujo de energía y mi única preocupacion es la de ser fiel a este estado. Las obras surgen sin ningún esfuerzo especial, sin batalla; todo sucede pacificamente a su propio ritmo, igual que en la naturaleza.

LR: ¿Cual es hilo conductor en tu obra, que es tan diversa?
XW:
En toda mi obra está presente la contemplación del tiempo y del infinito. Siempre me ha inspirado el horizonte, la linea del mar donde se junta con el cielo, y siempre hay algo más allá. Mis piezas son creadas con miles de semillas o de huesitos o de puntos que se multiplican, se expanden y no tienen ni principio ni fin. Ese es mi hilo conductor.

LA REVISTA

LR: ¿Cuál es tu opínion del mercado de arte contemporaneo en Mexico?
XW:
Cuando llegué a Mexico, en el año de 1996, la situacion era muy diferente a la de ahora. Habia menos oferta de arte internacional, apenas se empezaban a formar colecciones grandes -tanto partículares como de empresas. He visto como se abre México al mundo, se internacionaliza y hay un enorme interés de la gente por el arte.

LR: ¿Estás a favor de las colecciones particulares o prieferes que el arte este en espacios publicos?
XW:
Me parece fantástico que haya coleccionistas, pues esto nos permite a los artistas ser audaces, crear, tener referencias no solamente locales sino globales, lo cual es muy positivo. Sin embargo, siento que las piezas que se ofrecen a la vista pública son el gran logro para un artista, porque la pieza interactúa con las miradas, con los sentimientos de las personas. Con el paso del tiempo, estas obras adquieren otro valor por estar expuestas, vividas.

LR: ¿Para ti la obra tiene una vida propia?
XW:
Definitívamente. Cuando creo en algo, nunca me preocupo si se vende, pues las cosas toman su tiempo Y pueden pasar incluso años, pero al final van a encontrar su dueño, su lugar, su sitio. Las obras tienen su propio destino.

LA REVISTA

“LA OBRA DE WOLSKI, OBSESIONADA POR LAS CADENAS, LAS VERTEBRAS, LOS RACIMOS DE FRUTAS, LAS CUENTAS QUE CONFORMAN UN VESTIDO. NOS RECUERDA QUE NECESITAMOS DEL TACTO DE LA MANO Y DE LOS GESTOS MAS ELEMENTALES. ESA ESTÉTICA DE UNA MATERIA TAN ELEMENTAL PUEDE LLEGAR A CONDUCIR A LA IMAGEN O A LA DIMENSION DEL DESP0SEIMIENTO.

COMO DECIA GILLES DELEUZE:
‘LA VITALIDAD NO ORGANICA ES LA RELACION DEL CUERPO CON UNAS FUERZAS O POTENCIAS IMPERCEPTIBLES QUE SE APODERAN DE ÉL Y DE LAS QUE ÉL SE APODERA. COMO LA LUNA SE APODERA DEL CUERPO DE UNA MUJER'”. -Fernando Castro Florez, filosofo

SEMILLAS EN EL CAMINO: XAWERY WOLSKI

•Nacio en Varsovia en 1960.
•En la decada de los 80 acudio a la Academia de Bellas Artes de Varsovia y de Paris.
•En 1985 establecio tres anos su estudio en Carrara, Italia, porque habia facilidades para trabajar con marmol.
•En 1988 regreso a Francia para ingresar a la École des Beaux Arts Provincia de Aix, donde desarrollo su trabajo artistico y trabajo tambien como docente.

Al terminar esa labor recibio el premio de escultora de la Bienal de Niza, en 1991.
•Se mudo a la Ciudad de Mexico en 1997 para trabajar con tecnicas tradicionales de divers areas del pais.
Produjo la escultura “Cadenas” especificamente para la entreda principal del Museo Rufino Tamayo, donde permanecio hasta la primavera de 2012.
•En la ultima decada ha presentado mas de 50 exposiciones internacionales entre las que cabe señalar Humano Proch/Polvo y Humus, que han viajado a Mexico, Houston, Miami, Nueva York, Los Angeles, Portugal y España.
Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de Mexico.

LA REVISTA

LR: ¿Cual es tu relación con tu obra?
XW:
Como todo mi trabajo está hecho por mi e involucra mi propio tiempo -todo un proceso mental- me encariño mucho con las piezas, son parte de mí, una extensión de mi cuerpo. Es una relación muy cercana. Luego me critican porque no quiero vender o enseñar algunas obras. Poco a poco voy aprendiendo a ser más desprendido, pues las piezas tienen su propio destino y deben comunicar su propio mensaje. Cada obra está destinada a tomar su propio rumbo.

LR: ¿Y qué crees que comunican?
XW:
Mucha gente me dice que mis piezas les comunican paz, tranquilidad y serenidad. Y es que mi proceso creativo es de mucho tiempo, es de transformar el tiempo en algo eterno, algo que perdure. Por eso, cuando salen de mi espacio, creo que llevan consigo esa paz y un tiempo infinito, más allá de la dimensión humana, esa eternidad que nos sobrepasa, que no es material… donde hay algo más.

LR: Además de reerentes de culturas precolombinas también hay en tu obra influencias de Asia…
XW:
Pasé varios años en Tailandia haciendo una residencia en la Fundación Jim Thomson, que produce seda y donde crearon un centro de arte contemporáneo al que estuve invitado. Yo viajaba por Tailandia buscando materiales, formas de expresión, aprendiendo los antiguos métodos de producción de la gente en las aldeas y el uso de estos materiales. Mi proyecto era transformar esta expresión local a mi propio lenguaje de arte contemporáneo. A partir de esta búsqueda hice toda una serie que fue expuesta, primero en esa Fundición y luego en cuatro museos en Asia del Sur, lo cual también me permitió viajar y seguir empapándome de su arte, sus materiales, sus formas e expresión y tener nuevas fuentes de inspiración. También fue para mi una posibilidad de acercarme a otro modo de pensar que es fundamentado en el budismo y en el desapego, y pase varias temporadas en los monasterios, lo cual ha marcado definitivamente mi vida.

LR: ¿Que proyectos tienes actualmente?
XW:
Tengo la suerte de estar trabajando en diferentes partes del mundo: Asia, Europa y Estados Unidos. Este año tuve una exposición individual en Berlin y otra en Polonia, mi país natal, y el proximo año estaré exponiendo en Zurich durante Art Basel y en Milan. Son proyectos muy interesantes, porque el contexto de la obra tiene que ser muy abierto y [las piezas deben] comunicarse con un publico que tiene otras referencias, donde no hay una presencia tan inmediata del mundo precolombino como nosotros la tenemos. Y es ahi donde te das cuenta si tu trabajo tiene una resonancia de entendimiento mas allá [de su contexto], mas universal. También estoy involucrado en un proyecto de una fundación en Varsovia, mi ciudad natal, donde mi obra podría exponerse de forma permanente, pues hare piezas en función de la arquitectura, como las cadenas que salen de la pared y atraviesan los muros, relieves que se integran al espacio. El mundo de la arquitectura, en especial en Mexico, es otra de mis grandes referencias.

LA REVISTA

Xawery Wolski
memoria, cuerpo y barro

SUS ESCULTURAS MINIMALISTAS Y ORGANICAS SE ENTRELAZAN CON LAS TRADICIONES, GENERANDO NUEVOS ESPACIOS Y CONTEXTOS CULTURALES QUE SE BASAN EN LA RELACION CON LA TIERRA Y LO ESPIRITUAL.
TEXTO PAMELA OLAVARRIA. LICENCIADA EN ESTÉTICA.

Wolski, artista visual que nace en Varsovia (1960), actualmente vive y trabaja en México D.F. y Nueva York. Su obra evoca al cuerpo en sus orígenes antropológicos, directamente ligado a la tierra.

¿Cuál es la problemática que te interesa relevar a través de tu trabajo?
Estar vivo, confrontado simultáneamente a múltiples experiencias que la vida nos trae todo el tiempo, sin interrupciones. Las cuestiones esenciales parecen surgir de esta experiencia y nos permiten trabajar a un nivel de sublimación, más trascendente. Estamos condicionados a vivir en un espacio temporal, en la perspectiva de esta mirada. Mi trabajo toma formas diversas, trata de no apegarse a las mismas soluciones o materiales, abarca en si las infinitas posibilidades de ser modificable en función de su entorno.

Tus obras surgen de la investigación de la memoria y el cuerpo, plasmándose en la simplicidad del barro. Cuéntame sobre el proceso que une esas tres ideas fundamentales.
El cuerpo, en sus orígenes antropológicas esta directamente ligado a la tierra. Tierra, una materia ilimitada que evoca una constancia. Todos tenemos una relación con ella, aunque está oculta, y no importa si nuestras vidas cotidianas están aparentemente alejadas de ella. Mi trabajo intenta sacar el objeto de la imanecia de lo útil; permitiendo una irrupción en la conciencia, y así, llevarnos a la experiencia del arte, de lo ritual y lo sagrado. La tierra contiene la memoria en si, todo regresa a ella, incluyéndonos a nosotros.

Al definir los límites del arte, ¿cuál crees que es la diferencia entre el trabajo artesanal y la producción de una obra de arte?
Los objetos artesanales son creados por escultores, magos, sin nombres, títulos o firmas, sin valores asignados, sin egos. Consolidados por la prueba del tiempo, hablan por si mismos, mantienen su propio mensaje estético. Ahora bien, al sacar un objeto de la imanencia de lo útil, es decir sacrificarlo, nos lleva a una creación artística. Es un proceso interno.

Me parece que existe una interesante “hibridación canclinina” en tu producción, ya que creas bajo la táctica de relaciones interculturales, que permiten apropiarte y acceder a diferentes esferas socioculturales. ¿Tiene que ver esto con tus traslados entre Europa y America Latina?
Si, tiene relación. En mi vida he tenido las experiencias de desplazamiento a diferentes sitios, países, continentes. Nací en Polonia, bajo el regimen comunista. Decidí partir y continuar mis estudios en la Academie des Beaux Arts de Paris. Trabaje esculpiendo el mármol en Carrera, Italia. Luego continué mis estudios en Nueva York. La gran experiencia fue llegar a América Latina, donde mi trabajo tomó un nuevo giro, inspirado por un nuevo entendimiento de luz y del espacio. En Perú, me dediqué a investigar las antiguas técnicas del uso de la tierra en la alfarería y en la arquitectura. Mi proyecto era hacer un puente entre la cultura medio olvidada y la conceptualización y realización de una obra de contemporánea plasmada en la mirada occidental. Finalmente me mudé a México, donde pude continuar mi investigación inspirado por la cultura mesoamericana.

LA REVISTA

Fernando Castro Flores menciona respecto a “La Cortina” (1993) una “Fundición de Velo”, recordando una relación simbólica entre producto artístico y plano imaginario. Háblame de ese velo.
Trabajo bajo la idea de que los nuevos lugares y nuevos contextos culturales permiten liberarse tanto de la estructura, como de nuestra historia personal. Una obra de arte puede desplazar su sentido por el contexto cultural y el mismo objeto puede enriquecerse por las nuevas influencias. En nuestros cuerpos llevamos parte de la historia de cada sitio, la respiramos, la asimilamos, forma parte de nuestra memoria. Siempre hay más, siempre falta, siempre se puede ir mas allá, es este velo el que nos separa.

En medio de un “paisaje tecnológico”, el diálogo con la memoria y la orgánica del cuerpo parece ser un eje fundamental. ¿De dónde nace el interés de retomar la intimidad como proceso?
Es un intento de vivir la vida conscientemente y trágicamente, en su plenitud, en todas sus dimensiones. Nadie sabe de lo que es capaz un cuerpo, dijo Spinosa.

Antonio Zaya plantea que en tu trabajo teorizas sobre tu propia creación, satisfaciendo así la curiosidad del crítico. ¿De qué manera crees que esto se traspasa al espectador?
En mi última exposición titulada “Mrok” (en polaco “la luz oscura”) que actualmente esta presentada en el Museo de Arte Moderno en la ciudad de Mexico, decidi poner una sola obra, a la que agregamos un audio con un texto abstracto que trata sobre el misterio del cuerpo. Siento que al escuchar mi voz recitando las frases abstractas y solemnes, ésta enriquece y desenfoca la mirada del espectador. Así obra y espacio pueden ser abarcados en su complejidad. Por supuesto que esta nube de alambres torcidos habla por si misma. No necesita el apoyo del texto, pero como todos venimos de lugares diferentes, tratamos de entendemos mejor.

¿Cuáles artistas han influido en tu producción?
Me forme bajo dos polos opuestos de admiración. Por un lado Marcel Duchamp, con su atrevimiento de romper con las formas establecidas, y por otra parte Kazimir Malevich, quien evocó el misterio de lo sagrado en su obra constructivista.

¿Y tus próximos proyectos?
Cada vez estoy más interesado en lo tangible, en lo frágil y movible. El próximo trabajo tiene que ver con tres obras creadas en Asia, donde tuve la oportunidad de trabajar con la seda cruda, reciclada y horneada como si fuera barro. Esto se presentará en conjunto con dos instalaciones que serán exhibidas en septiembre en Varsovia.